For years, I've been turning down institutional requests disguised as "theater education programs" or "museum pedagogy workshops." These methods, with their demagogic smiles, infantilize and playfully manipulate audiences of children, adults, seniors, or marginalized groups. "Taste-shaping" becomes propaganda and manipulation, especially when institutions mold artists into producing similar works that fit their own agenda. Convincing people that this is "the" art, or this is how it "should" be interpreted, is akin to telling someone what to think, what qualifies as art, what to applaud, and when. These sessions don't aim to foster critical thinking; instead, they promote indoctrination and dogmatic worship.
Most museum pedagogy and theater education programs can be seen as mere sales strategies—a means to expand the institution's target audience and promote the artists it represents. But in terms of pedagogy and education, they're utterly irrelevant—don't be fooled! In fact, neither theater education programs nor museum pedagogy would be necessary if artists created art directly for their audience, rather than relying on intermediaries like curators, critics, and art historians who interpret and explain artworks in cryptic language. These intermediaries are like translators decoding jargon and unraveling academic puzzles. But why? I believe that, eventually, artists will create directly for their audience rather than for intermediaries. They won't aim to please a narrow circle but to reach broader audiences. They won't seek to prove themselves but to connect. They won't close off but open up. They'll share and give. To achieve this, I think we need a radical transformation in academic art education. Artists must be socialized in a platform where they learn to break free from conventions. They shouldn't aim to fit into art history but to break out of it. They shouldn't seek continuity and assimilation but rupture. They shouldn't look back to the past, rely on existing rhetoric, follow trends, or boast about following someone else's path. Instead of writing a new chapter in the book, they should come up with something entirely new. Therefore, what we need today is an art education that doesn't produce cannon fodder but independent and critical artists who create freely, experiment boldly, and aren't afraid to explore new territories. The School of Disobedience is exactly that.
0 Comments
"This event doesn't want to be anything more than a performance evening.
This evening is radical because it's simple, honest, and generous. It doesn't compare people and it doesn't think in terms of competition. Its courage lies in its freedom. Its freedom is where it finds its courage." WHY CHOOSE A REHEARSAL ROOM FOR THE PERFORMANCE EVENING? ➤ To foster an environment of experimentation. Rather than presenting a polished performance, we aim to explore and refine our ideas. This process invites spectators to actively engage and participate in the creative journey. It's an open invitation for those intrigued by the creative process to join us. For those seeking a more traditional experience, the theater awaits. The setting is deliberately informal, devoid of judgment or pressure. Here, freedom reigns supreme — freedom to create, to experiment, to play. WHY OFFER THE PERFORMANCE NIGHT FREE OF CHARGE? ➤ Performance Night operates on a non-curated basis, eschewing judgment in favor of inclusivity. By limiting submissions to the first 8 entries, we sidestep the pitfalls of canonization, ensuring diversity and spontaneity in our lineup. This approach liberates us from the constraints of uniformity and predetermined expectations regarding form, content, or professionalism. Embracing contingency and unpredictability, we open the door to limitless possibilities. The evening remains free as a collective effort, sustained by the contributions of all involved — organizers, performers, audience members, and venue hosts alike. Let's nurture this shared endeavor, fostering a space where freedom thrives within a supportive framework. Together, we uphold the essence of our community, cherishing our collective autonomy and creative expression. IS THIS WHERE ORBÁN BASHING AND SYSTEM SMASHING GO DOWN? ➤ No, Performance Night isn't a platform exclusively reserved for anti-establishment discourse. While we encourage taboo-breaking and critical thinking, divergent opinions are welcome, even if they challenge mainstream narratives. However, if you're performing, we urge you to uphold freedom of expression and individual liberties, respecting the distinction between political activism, political art, and propaganda. It's essential not to impose personal beliefs on others. In essence: express yourself freely, but do so with consideration! Over the past year, we've cultivated an audience that's wonderfully diverse, spanning age, culture, and ideology. This diversity enriches our event, and it's something worth preserving. Let's work together to ensure Performance Night remains a space that's free, inclusive, and respectful of differing perspectives. Let's refrain from turning it into a platform for any specific political, religious, or ideological agenda. Let it remain what it is: a beacon of freedom, inclusivity, and acceptance. "Ez az esemény nem akar több lenni, mint ami: egy performansz est.
Ez az est attól radikális, hogy egyszerű, őszinte és nagylelkű. Nem méricskél, nem hasonlít össze, és nem versengésben gondolkodik. Attól bátor, hogy szabad. Attól szabad, hogy bátor." MIÉRT PRÓBATEREMBE SZERVEZITEK A PERFORMANSZ ESTET? ➤ Azért, hogy elkerüljük a félreértést: Mi itt kiPRÓBÁLUNK dolgokat. Nem bemutatunk egy kész előadást, hanem ötletekkel kísérletezünk. És ennek a kísérletezésnek a folyamatába lehet nézőként betekineni. Akit ez érdekel, az eljön. Akit nem, az színházba megy. A keret tiszta, ahogyan az is, hogy ebből kifolyólag nincs ítélkezés, nincs teher és nincs nyomás. Szabad alkotás a menü, szabad kísérletezés. Játék. MIÉRT INGYENES A PERFORMANSZ EST? ➤ Azért, mert a Performansz Est nem egy kurált esemény, nem zsűrizzük a beérkezett anyagokat, hanem az első 8 jelentkező után lezárjuk a felhívást. Ezzel kiküszöböljük a kanonizációt, az ízlés- és véleményformálást, azt, hogy az este "egységes" legyen (minek?), és azt is, hogy a produkciók bármilyen formai, tartalmi, szakmai, esztétikai stb. elvárásnak megfeleljenek. Ugyanakkor garantálni sem tudunk semmit, itt senki sem tudja mire lehet majd számítani. Emiatt az esetlegesség és kiszámíthatatlanság miatt ingyenes az est, és egyébként addig tud ingyenes maradni, ameddig ezt közösen csináljuk, és mindenki tesz bele egy kicsit! Ki szervez, ki előad, ki néz és visszajelez, ki a teret adja, ki a teret tartja... Ez egy közös ügy, vigyázzunk egymásra, a térre, a keretre, a keret által garantált szabadságunkra. ITT MEGY AZ ORBÁNOZÁS MEG A RENDSZERKRITIKA? ➤ Nem. Tabu döntögetés, kritikus gondolkodás, ellenvélemény megfogalmazása jöhet, természetesen akkor is, ha ellene megy a közegünk mainstream retorikájának. Ellenben ha előadnál, arra kérünk tartsd tiszteletben a szabad véleményformálást és az egyéni szabadságjogokat, tegyél különbséget a politikai aktivizmus, a politikai művészet és a propaganda között, és ne azért gyere ide, hogy a saját nézeteidet másokra ráerőltesd. Vagyis: elmondhatod, hogy mit gondolsz, de nagyon nem mindegy, hogy ezt hogyan teszed! Az elmúlt egy év alatt ugyanis sikerült egy olyan eseméyt létrehozni, aminek a közönsége valóban tág és diverz. Nagyon különbözőek vagyunk, nem csak életkorban, kulturálisan, társadalmilag, hanem nézetek és gondolkodás terén is. Szerintem ez érték, és erre szeretnék vigyázni! Segítsetek, hogy ez így maradhasson, és ne legyen a Performansz Estből "egy bizonyos" politikai, vallási, ideológiai, retorikai irányt képviselő tér. Maradjon annak, ami: SZABAD, BEFOGADÓ és ELFOGADÓ. Alkotóként folyamatosan döntések előtt állunk. Folyamatosan kérdések merülnek fel bennünk, és nekünk az a dolgunk, hogy ezekre egy ponton választ adjunk: kikkel dolgozzunk, hogy kezdődjön a darab, hogy végződjön, a kutató folyamatból mit tartsunk meg és mit kukázzunk ki, mi legyen a jelmez, legyen-e díszlet, használjunk-e kelléket, hol adjuk elő, kiket szólítsunk meg...
Állítólag a művészeti iskolákban majd megtanítanak arra, hogy hogyan hozzál meg ezekre a kérdésekre “jó” döntéseket. Állítólag. De szerintem ez baromság. Én nem gondolom, hogy a művészetben lennének “jó” vagy “rossz” döntések. Egyszerűen csak döntések vannak, amikbe alkotóként beleállunk és kész. Ezeknek a döntéseknek egy részét tudatosan fogjuk meghozni, diktál majd a "józan ész", a logika meg a racionalitás, a kontextus, a rendelkezésre álló forrás, ilyenek. De lesz egy része, amiket csak úgy meghozunk, nem igazán tudjuk miből, miért. Van, aki ezt tehetségnek hívja, van, aki megérzésnek, intuíciónak, más tudatalattinak. Lényeg, hogy az alkotófolyamat során meg fogsz hozni döntéseket, néha fogalmad sincs miért. A nyugat-európai kortárs művészeti kánon arra szocializál, hogy a tudatalattiból meghozott döntéseknek is tudatosnak kell lenniük. Ezért elkezdesz koncepciót “gyártani”, próbálsz ráhúzni racionalitást arra, ami pont arról szól, hogy nem az. Próbálsz logikát vinni abba, ami nem logikus. Próbálsz érveket csinálni az érzelmekből. Magyarázatot találni arra, amit nem kell megmagyarázni, mert talán nem is lehet. A nyugat-európai kortárs művészeti kánon arra szocializál, hogy egy művész minden kérdésre tudjon válaszolni a munkájával kapcsolatban. A kánon szerint olyan nincs, hogy "nem tudom". Mintha bizalomra és önbizalomra csak akkor lennél jogosult, ha bármilyen felmerülő kérdésre konkrét válasszal tudsz szolgálni, kész a meggyőző "pitch", tisztán, érthetően és logikusan tudsz beszélni arról, amit állítólag egészében átlátsz. A művészettörténet is erre a mítoszra épít, hogy alkotásokat ánblokk meg lehet magyarázni. Ez egy hazugság. A munkáink egy része vakfolt, egy fekete lyuk, amit rengeteg ellentmondás, kétely, irracionalitás övez, és pont ettől érzékeny, pont ettől törékeny, hogy helyenként ködös és megmagyarázhatatlan. A konceptuális művészeti irány és a jelenlegi retorika-alapú prezentációs diszpozitív arra sarkallja a művészeket, hogy azt hazudják minden alkotói gesztus mögött van racionális magyarázat. Pedig tudjuk jól: nincs. A konceptuális művészet megúszós művészet: elbújsz elméletek mögé, távolságot hozol létre, nem közeledsz. Se magadhoz, se a közönségedhez. Kívül maradsz, úgy csinálsz, mintha. Azért absztrahálsz, mert nem mersz megnyílni, azért operálsz a társadalomnak csak egy privilégizált szegmense által ismert nyelvi és esztétikai kódrendszerrel, mert a nyugat-európai kortárs művészeti kánon jelenleg teljesen érzéketlen az érzelmekből fakadó esetlegességre. Jogos, hogy nem mersz megnyílni, ki merne ebben az ellenséges környezetben? Érthető, hogy nem vállalod fel az érzelmeidet, ki vállalná fel ebben az elnyomó, itélkező és kirekesztő kortárs művészeti mezőben? Ahhoz hogy lépjünk, hogy a kamu konceptuális művészetből egy érzékeny és bizonytalan művészet felé közeledjünk, el kell kezdenünk nyitni, elfogadni és bízni. Az Engedetlenség Leányiskolája ehhez kíván bátor és biztonságos közeget teremteni. "PROVOCATION IS NOT THE POINT"
Interpretations of "experimental" and "radical" vary widely. For us, it's about being genuine and personal. Others see it differently, and we embrace the diversity and sometimes contradictions in responses. However, it's essential to emphasize that there are no set expectations here. Your work doesn't need to be provocative, contemporary, or feminist. Nothing is obligatory! We're interested in your voice, your perspective, your world, your aesthetics, your interpretation. Something authentic that isn't driven by trends or forced provocation. "NO AWKWARD, NO SHIT" It's a truth rarely spoken publicly, but nearly everyone secretly agrees: contemporary art can be mind-numbingly dull. Why? Because it often lacks risk and stakes. Courage requires a supportive environment, one where you feel safe to explore personal issues, experiment freely, and defy aesthetic and conceptual norms. Unfortunately, much of what we see today is sterile, conformist, and uninspiring—a symptom of an arts education system that prioritizes uniformity over diversity. Our Performance Platform aims to be different—a space free from expectations or judgment, where anything goes, and everyone can be themselves. "EXPERIMENTATION" True experimentation is diving into the unknown. It's starting something without a clue where it'll lead, using tools you're not familiar with, and embracing the unpredictable. You're not seeking beauty or effectiveness; you're venturing into uncharted territory. It's risky, filled with failures, but also with wonder and surprises. For our Experimental & Radical Performance Platform, bring your doubts, uncertainties, and creative crises. Embrace the journey, and clarity will follow! "CONTEMPORARY FORMALISM" "Contemporary" isn't a rulebook—it's about breaking free from expectations. Don't conform to trends or seek validation. Trust yourself, your instincts, and your vision. Don't let anyone put you in a box or dictate your art. Bring YOUR art to this Platform—raw, honest, and unapologetically you. It's not about concepts or academic jargon—it's about YOU and your expression. That's what truly matters. "SUSTAINABLE ART" In an industry plagued by overproduction and overconsumption, our profession mirrors the excesses of any market. Projects proliferate due to systems prioritizing their creation over presentation and dissemination. Yet, there's a scarcity of exhibition space, audiences, and attention. Our Performance Platform aims to tackle these issues head-on: How can we rethink the intense production characteristic of the arts sector? Is "sustainable art" achievable, and what defines sustainability in a project? How can the performing arts become more conscious and responsible, and who should drive this change? What strategies are needed to rebalance the skewed relationship between supply and demand, and how can we reach a 'market equilibrium'? "WORKING TOGETHER INSTEAD OF COMPETING" We're not adversaries; we're allies! Collaboration, community, solidarity—these are our guiding principles. The world and our profession can be harsh, but they're also incredibly rewarding. Believe in yourself and your work; don't let others dim your enthusiasm or control your path. Stay true to yourself, and don't get swayed by distractions. With this Experimental and Radical Performance Platform, we emphasize listening, supporting, and uplifting each other. Let's unite, stick together, and build a strong community! “NEM A PROVOKÁCIÓ A LÉNYEG”
Nyilván mindenki úgy értelmezi azt, hogy “meredek” és “radikális”, ahogy szeretné. Mi például úgy, hogy őszinte és személyes. Más másként, és mi pont a válaszok sokszínűségére, olykor ellentmondásaira vagyunk kíváncsiak. Ugyanakkor szeretnénk hangsúlyozni, hogy ez nem az a tér, ahol bárminek is bármilyennek kell lennie. Vagyis nem KELL, hogy a cuccod provokatív legyen, nem KELL, hogy kortárs legyen, nem KELL, hogy feminista legyen. Semmi sem kötelező! Minket a Te hangod érdekel, a Te nézőpontod, világod, esztétikád, értelmezésed. Ami nem követ le trendet, és nem kényszerből provokál. “NINCS CIKI, NINCS SZAR” Nyilvánosan nem mondjuk ki, csak haveroknak előadás után, de igazából majdnem mindenki ugyanazt gondolja: a kortárs művészet baromi unalmas. Elsősorban azért, mert nincs a dolgoknak tétje, langyos az egész, sehol semmi kockázat. És logikus, hiszen a kockázat vállaláshoz bátorság kell, a bátorsághoz pedig támogatás, egy olyan nyitott és elfogadó közeg, ahol tudom, hogy nyugodtan megnyílhatok, beszélhetek személyes témákról, szabadon kísérletezhetek, szabadon nyúlhatok olyan eszközökhöz, formákhoz, amik a jelenlegi esztétikai, konceptuális és retorikai trendeknek és elvárásoknak nem felelnek meg, és hogy ez nem lesz baj, sőt! Az hogy steril, visszafogott, konformista, amolyan jó kislányosan stréberes a produkciók többsége egyébként egyáltalán nem meglepő egy olyan jelenlegi művészetoktatási rendszer mellett, ami uniformizál ahelyett hogy az egyéniség kibontakozását támogatná. Ami azt nézi, hogy miben vagy szar, ahelyett, hogy arra fókuszálna, hogy mi a te utad, nyelved, vágyad, álmod… A mi Performansz Paltformunk egy olyan esemény akar lenni, ahol nincs jó és rossz előadás, nincs elvárás, nincs ítélkezés… Ahova bármit el lehet hozni, ahol bármit ki lehet próbálni, bármit el lehet mesélni, meg lehet osztani, ki lehet mondani. Röviden: ahol bátran saját magad lehetsz! “KÍSÉRLETEZÉS” Egy valódi experimentális munkafolyamat az olyan, hogy elkezdesz valamit, de fogalmad sincs mi lesz belőle. Olyan eszközökhöz is nyúlsz, amikhez amúgy nem szoktál. Kipróbálsz dolgokat, amiket egyáltalán nem tudsz kontrollálni, mert vagy nincs rutinod a médiumban, vagy nem tudod, hogy a dolog hogy fog elsülni, miből mi lesz. Az experimentális munkafolyamat bevállalós, nem azt keresed, hogy mi néz ki jól, mi a szép, hogy mi a hatékony, nem reprodukálod azt, amit tudsz, ami bejáratott, hanem ismeretlen vizekre evezel. Rizikó, elveszettség érzése, rengeteg kudarc, de csodálkozás, ráébredés, meglepetések sora, valami ilyesmi az experimentális munkafolyamat! Erre a Performansz Platformra bátran hozd el azokat a kételyeket, bizonytalanságokat, hezitálásokat, görcsöket, blokkokat és alkotói válságokat, amik egy experimentális munkafolyamat teljesen természetes velejárói. Meglátod, utána sokkal-sokkal tisztább lesz minden! “KORTÁRS FORMALIZMUS” A “kortárs” az nem egy olyan dolog, aminek vannak kőbe vésett szabályai, és igenis bátran neki lehet menni azoknak a szellemi dinoszauruszoknak, akik elhitetik veled azt, hogy van egy recept ahhoz, hogy jó kortárs művész legyél és jó kortárs művészetet csinálj. Felejtsd el a trendeket, ne akarj “teljesíteni”, ne várd a szakmai elismerést, ne számítson, hogy ki mit gondol majd! Bízz magadban, a művészetekben, kövesd a saját utad, add meg magadnak azt az alkotói szabadságot, amit sokan el akarnak venni tőled! Ne hagyd, hogy befolyásoljanak, hogy dobozba zárjanak, hogy emberek, akik ki tudja miért felhatalmazva érzik magukat ahhoz, hogy ítélkezzenek a művészeted felett elvegyék az önbizalmad, a hited! Erre a Performansz Platformra ne “kortárs” művészetet hozz, hanem azt a művészetet, ami benned van, ami te vagy! Az őszinte hangodra vagyunk kíváncsiak, rád, a te gondolataidra, világodra, vágyaidra. És senki nem fogja megkérdezni tőled, hogy “mi a koncept” vagy “mit akarsz mondani” vagy “olvastad-e amúgy Butler-t”, mert rohadtul nem ez számít. Egyedül te számítasz! “FENNTARTHATÓ MŰVÉSZET” Ugyanúgy jellemző a túltermelés és a túlfogyasztás a szakmánkra, mint bármelyik másik piacra: rengeteg alkotás készül, részben mert a jelenlegi pályázati és ösztöndíj rendszerek, rezidenciák inkább a projektek megvalósítását, mintsem bemutatását, terjesztését támogatják. Konkrétan túl sok új alkotás készül, a játszóhely, a kiállítási lehetőség és a közönség viszont ehhez képest kevés, az igény és a figyelem pedig elaprózódott. Célunk, hogy ez a Performansz Platform a következő kérdéseket is felvesse: Vajon a művészeti szektorra jellemző intenzív termelést hogyan lehetne újragondolni? Van-e “fenntartható művészet”, illetve mitől lesz egy projekt fenntartható? Mit kellene tenni ahhoz, hogy az előadóművészet tudatos és felelősségteljes lehessen, és kinek milyen szerepe lenne a változtatásban? Milyen új stratégiákkal lehetne helyrehozni az előadóművészetre is jellemző kereslet és kínálat közötti eltorzult viszonyt, milyen változások szükségesek a “piaci egyensúly” megtalálásához? “VERSENGÉS HELYETT ÖSSZEFOGÁST” Nem vagyunk egymás ellenségei, konkurenciája, sőt! Együttműködés, közösség, szolidaritás. Egymás segítése, felkarolása, támogatása, bátorítása. Ne add fel, ez egy kegyetlen világ és egy borzasztó nehéz szakma, de gyönyörű! Bízz magadban, a munkádban, ne add fel a kezdeti lelkesedésed, ne engedd, hogy mások irányítsanak, ne dőlj be, ne hagyd, hogy baromságokkal elkápráztassanak, hogy elvegyék az önbizalmad. Kövesd a saját utad, legyél önmagad, ezt csak úgy lehet! Ezzel a Performansz Platformmal azt is szeretnénk hangsúlyozni, hogy figyeljünk egymásra, támogassuk egymást, bátorítsuk egymást, segítsük egymást! Hogy fogjunk össze, tartsunk össze, legyünk közösség! To be in community, to live in community, to create in community, to think collectively, to act collectively - this is clearly a trend today, especially in the artistic and activist worlds. Taking a critical approach, and being wary of "received ideas" and what seems obvious at first glance, invite us to question what may lie behind this rhetoric:
Sur la communauté Être en communauté, vivre en communauté, créer en communauté, penser collectivement, agir collectivement, telle est la tendance actuelle, notamment dans les milieux artistiques et militants. Adopter une approche critique, se méfier des "idées reçues" et des évidences, nous invitent à nous interroger sur ce qui peut se cacher derrière cette rhétorique :
What does a school that makes things compulsory teach you? What do you learn from a school that you're obliged to attend, whatever your state of mind? What do you learn from a school you can only miss for "serious reasons", but where others decide for you what "serious reasons" are?
Dear Unlearning Facilitators, please, don't take it personally! It's not because you've done something wrong, but because in this school students learn to listen first and foremost to their personal needs in terms of well-being, space and time. It's not easy to unlearn to follow others and relearn to follow your inner intuition. For me, not coming to class is a decision that requires maturity and courage, and one that should be heard, respected and even praised. You can, as an Unlearning Facilitator, support students in this complex process of self-discovery and self-empowerment by keeping your door open and offering them the opportunity to return when they feel the time is right for them. Sometimes offering students a space where they can freely explore their own limits, boundaries, needs, listen to themselves and allow themselves to do things without feeling guilty, is more helpful than any "lesson" you can teach them. Sometimes the trust you can offer students is a greater gift than any tool, method, technique, advice or feedback you can teach them. Accompanying students in their personal development requires only one thing: listening to them. Thank you for listening them. Thank you for being there for them, and not for you. Que devez-vous faire si un étudiant abandonne votre cours ? Que vous apprend une école qui rend les choses obligatoires ? Qu'apprend-on d'une école où l'on est obligé d'aller, quel que soit son état d'esprit ? Qu'apprend-on d'une école que l'on ne peut manquer que pour des "raisons sérieuses", mais où d'autres décident pour nous de ce que sont les "raisons sérieuses" ? Chères Unlearning Facilitators, s'il vous plaît, ne le prenez pas personnellement ! Ce n'est pas parce que vous avez fait quelque chose de mal, mais parce que dans cette école, les élèves apprennent à écouter avant tout leurs besoins personnels en termes de bien-être, d'espace et de temps. Il n'est pas facile de désapprendre à suivre les autres et de réapprendre à suivre son intuition intérieure. Pour moi, ne pas venir en classe est une décision qui demande de la maturité et du courage, et qui doit être entendue, respectée et même saluée, félicitée. En tant que Unlearning Facilitator, vous pouvez soutenir les étudiantes dans ce processus complexe de découverte de soi et d'autonomisation en gardant votre porte ouverte et en leur offrant la possibilité de revenir lorsqu'elles estiment que le moment est venu pour elles. Parfois, offrir aux étudiantes un espace où elles peuvent librement explorer leurs limites, leurs besoins, s'écouter et s'autoriser à faire des choses sans se sentir coupables, est plus utile que n'importe quelle "leçon" que vous pouvez leur transmettre. Parfois, la confiance que vous pouvez offrir aux étudiantes est un plus grand cadeau que n'importe quel outil, méthode, technique, conseil ou retour que vous pouvez leur enseigner. Accompagner les étudiantes dans leur développement personnel ne demande qu'une chose : les écouter. Merci de les écouter. Merci d'être là pour elles, et non pour vous. Nem az bosszant, hogy a “legfontosabb” feminista esszék nincsenek lefordítva, hanem az, hogy azokat az esszéket, amikről azt gondoljuk, hogy hazai viszonylatban a “legfontosabbak”, külföldről vásároljuk.
Én a lokális feminizmust támogatom, fordító klub helyett esszé író kört, ahol magyarul gondolkodunk a saját nyelvünkön a saját problémáinkon. Nem fordítani akarok, nem más kontextusban, más kultúrkörben, már történelmi háttérben megfogalmazott kész gondolatokat importálni. Magyar feminizmust akarok magyarul. Mert képesek vagyunk rá! *** Borzasztóan károsnak tartom a fordító klub koncepcióját a mi kelet-európai kontextusunkban, ahol edukatív környezetben kicsi korunk óta azt tanuljuk, hogy nyugaton jobban tudják, hogy ami nyugatról jön, az az “igazi”, az jobb, értékesebb, fontosabb. Ez egy óriási “unlearning” lecke, megtanulni értékelni a hazait, nem alámenni, nem behódolni, nem lemásolni, nem bambán behozni külföldről a dolgokat, főleg egy olyan aktuálpolitikai helyzetben, amiben szinte minden, ami magyar vonatkozású, egyből megkapja, hogy "nacionalista". Én ezen gondolkodnék veletek szívesen, az egészséges nemzeti öntudaton. Hogy merjünk hozzányúlni a saját nemzeti értékeinkhez, nyelvünkhöz, kulturális örökségünkhöz lealacsonyítás, ítélkezés és bűntudat nélkül. Hogy bízzunk magunkban, merjük bátran nyomni a "Made in Hungary"-t. Gondolatok terén is. A successful workshop is not necessarily one where we laughed a lot, where the atmosphere was nice, where human relations were easy and where we had a good time. For me, a successful workshop is a useful workshop, a space where we learned, unlearned and relearned things, no matter what. There's no hierarchy between theoretical, practical, technical or methodological workshops, just as there's no hierarchy between lexical knowledge or personal experience. They're just different entry points, without one being more valuable than the other. The question is not what you learn at a workshop, but how, and the role of a teacher (Unlearning Facilitator) is not to transmit something, but to invent a framework, to choreograph a context, that encourages individual initiative, responsibility and independence. A useful workshop is one where we make progress in relation to ourselves, without being compared or judged. Where we're encouraged and respected, where we can move forward and grow, developing at our own pace. You have to be open to realize that sometimes the teaching will come from elsewhere, sometimes the lesson won't be where you expect it to be.
Qu'est-ce qu'un workshop réussi ? Un workshop réussi n’est pas forcément un workshop où on a beaucoup ri, où l’ambiance était sympa, où les rapports humaines étaient faciles et où on a passé un bon moment. Un workshop réussi est pour moi un workshop utile, un espace où on a appris, désappris et réappris des choses, peu importe quoi. Il n’y a pas d’hiérarchie entre workshop théorique, pratique, technique ou méthodologique au même titre qu’il n’y a pas d’hiérarchie entre connaissance, savoir lexique ou expérience personnelle. Ce sont juste des portes d’entrées différents, sans que l'un ait plus de valeur que l’autre. La question n’est pas ce qu’on apprend à un workshop, mais comment, et le rôle d’une professeur n’est pas de transmettre des savoirs, mais d’inventer un cadre, chorégraphier un contexte, qui favorise la prise d’initiative, la prise de responsabilité, l’indépendance. Un workshop utile est un workshop où l'on progresse par rapport à soi-même, sans être comparées, sans être jugées. Où l'on est encouragées et respectées, où l'on peut avancer et grandir, en évoluant à son propre rythme. Il faut être ouverte pour se rendre compte que parfois l'enseignement viendra d'ailleurs, parfois la leçon ne sera pas là où on l'attend. |
Author"Born in Budapest (Hungary) in 1983, I graduated from the ENSAPC Art School (France) in 2016. As an artist, researcher, and community activist, I harness the power of art for connection, education, and activism. My practice spans various mediums, including image, object, and performance. I create full-length visual and dance performances, short-format pieces, and immersive experiences, while also creating spaces for non-formal education outside of traditional academic heritage. Over the past two decades, I've founded the School of Disobedience, established my own performance art company (Gray Box), and launched the annual Wildflowers Festival. I embrace everything unusual, unexpected, and nonconformist. I am not kind with assholes and have learned to forge my own path. I am here to guide you in thinking outside the box and achieving independence. To me, the real party is outside the confines of the established canon." Archives
April 2024
Categories
All
|